151.Symphonic Black Metal（黑色交響）
雖然這并不是一個很完美的命名，人們還是最常用“黑色交響”來稱呼這種在90年代中后期出現(xiàn)的以歐洲為中心的音樂風格。它當然不是字面上說的交響樂，之所以叫交響只是因為它有著厚重的樂器的聲音和規(guī)模宏大、極具戲劇效果的聲音背景。而它和我們經常聽到的黑色金屬也沒有必然的聯(lián)系，雖然幾乎所有的黑色交響樂隊都是從演奏黑色金屬開始的，事實上，黑色交響和它這直接的祖先只有一些微小的表面的共同之處。黑色交響的起點是90年代早期的挪威黑金，尤其是那些在音樂中加入憂傷的、旋律優(yōu)美的鍵盤聲來中和他們狂怒的演奏的樂隊。這些黑色金屬渴望突破原有形式中的內在局限，他們開始不再那么強調吉他、而在音樂中加入了前衛(wèi)搖滾的元素（主要是迷幻太空搖滾樂隊如 Pink Floyd）和哥特金屬所強調的那種陰冷、怪誕的結構。其結果通常是產生了一種更加華麗的聲音，而且比純粹的黑色金屬更加動人、更容易讓人接受。有 Tiamat 和 Samael 等樂隊開了先河，以Gathering為首的一批新潮樂隊也開始在樂隊中招入輕靈的女性歌手，有時候還是作為整個樂隊靈魂性的聲音核心。黑色交響運動還是有它的局限性的，部分是因為它史詩般過于宏大的雄心壯志、部分是因為它已經不是傳統(tǒng)意義上的金屬樂；但是它把影響它的各種元素迷人地合成到了一起，并迅速地在新世紀之交成為地下金屬樂迷們一個不錯的選擇。

152.Synth Pop（合成器流行樂）
合成流行樂是新風格中最獨特的一種。８０年代早期，一些樂隊――首先英國深受Ｒoxy音樂和Ｄavid Bowie的風格的影響――流行樂隊Ｋraftuerk吸收了電子音樂的革新。最初，由于音調上沒有電子伴音的變化，象Ｇary Numan，the human league 和Ｄepeche Made。這些樂隊的藝術家們的音樂聽起來似乎有些貧瘠，陰森，模糊地恐嚇感，然而，合成流行樂的第一步變化是朝舞曲風格發(fā)展了，Ｄuran Duran綜合流行樂使合成樂更熱烈，更迷人，更接近舞曲點子。不久以后，許多樂隊紛紛追隨Ｄuran Duran，盡管一些樂隊依然沒有受到這種影響，他們從不依靠流行的三分鐘熱度。當眾多的合成流行樂隊很欣然接受那種不止一種風格的打擊樂時，Ｄuran Duran一躍成為明星。也有一些例外――the　Ｈuman League（人類語言）和Eurythmics（韻律操）就已有多種鼓點，如Howard Jones――這個領域依然被單一韻律的音樂占據(jù)著，比如A Flock of Seagulls（一群海鷗）。到了１９８４年，合成流行已走向滅亡了，但在聚光燈的時代中，合成方式作為一種主流在流行樂中走向前臺。

153.Techno（數(shù)碼）
數(shù)碼的根源可追溯到８０年代中期的底特律電子房音樂。那兒的音樂房依然明確的和迪科斯緊密相連，盡管這處聯(lián)系過于機械化。數(shù)碼的締造者和DJ們是Kevin Saunderson，Juan Atkins、Derrick May和那些熱衷于電子合成音樂的藝術家們，如Afika Bambaataa和合成搖滾的藝術家，如Kraftwerk。在美國，數(shù)碼是一種直接的地下音樂形式，但在英格蘭，８０年代后期卻作為主流音樂一下子爆發(fā)出來。９０年代早期，數(shù)碼開始滲入到不少音樂風格領域中，包括硬核、氛圍和jungle（叢林音樂）中，在硬核數(shù)碼里，每分鐘的點子打擊紀錄越發(fā)不可理喻。根本無法隨之起舞――被設計成一種為海外所接受的風格。而氛圍音樂則相反，當那些自由人和俱樂部的過往人在酸性音樂房和硬核數(shù)碼音樂房作一短暫的休息，緩慢的打擊有如流水般的電子音樂結構便符合這種氛圍的，成為一種流傳下來的音樂。
Jungle幾乎與硬核一樣具有積極的因素，結合著間斷停頓的數(shù)碼音樂和舞會雷？。所有的數(shù)碼音樂最初多是為俱樂部而設計的，那兒的DJ并給予了音樂混合后的新生命，最重要地，大多音樂在１２英寸的獨奏或許多音樂家的聯(lián)合完成，歌聲可以回蕩得更長時間，給DJ更多的素材融入到他們的設置中。９０年代中期，新的數(shù)碼音樂家開始成長――大多特別地氛圍音樂家，如Orb和Aphex Twin，但是也有不少頑固的藝術家，如Prodigy和Goldie，開始灌唱片集，而非生硬的把打擊樂組合起來。不出所料的，這些音樂家――成就非凡的藝術家――成為在數(shù)碼領域中公認的奠基者。

154.Thrash（鞭撻金屬）
鞭韃金屬本質上就是80年代的地下重金屬樂，它主要使用一種用于節(jié)奏吉他的推進性的敲擊方法（多虧了手掌悶音這一技巧的產生及運用），具有很強的攻擊性。鞭韃金屬通常具有吉他技術嫻熟、節(jié)奏快而狠的特點，有時還會用無調的吉他連復段代替旋律。但是以上這些概括遠不是絕對的標準。早期的時候，鞭韃金屬從本質上看和速度金屬是一樣的，80年代早期美國樂隊的作品就將英國重金屬新浪潮簡潔兇狠的敲擊，以及硬核朋克與摩托黨的節(jié)奏混合在了一起。但是，演奏速度金屬所要求的靈敏性和持續(xù)的強度漸漸成為其局限，于是各種各樣不同的技巧迅速地成形了：有一些鞭韃金屬樂隊集中精力于中速的反復樂句，偶爾加快速度進入到速度金屬的范圍；還有一些，比如 Metallica 和 Megadeth, 用他們高超的吉他技巧創(chuàng)作出了更復雜更前衛(wèi)的音樂；剩下的一些則注重音樂的侵略性，用以塑造一種戲劇性的恐嚇的意境。對于80年代末期控制了排行榜的易被人接受的流行金屬樂隊來說，鞭韃金屬提供了一種更硬、更重、更可以確切地稱之為金屬的音樂選擇；所以盡管缺乏在電臺上的反復播送，鞭韃金屬依然變得非常受歡迎，以至于90年代早期 Metallica 和 Megadeth 只是將他們的音樂稍做改進使之更容易被接受，他們就迅速地稱為了超級明星。而地下金屬頭目中的頑固分子則在這次鞭韃金屬引發(fā)的死亡與黑金風格中找到了避難所，他們把鞭韃金屬中黑暗的主題和內在的爆發(fā)力借鑒過來，并有意地將之發(fā)展成為了煩擾的極端事物。

155.Trance（Trance）
Trance舞曲是90年代早期從德國高科技舞曲和硬核音樂中分離出來的，它強調簡潔的合成器樂句在全曲中的不斷反復，只有很少的一些節(jié)奏上的變化和偶爾的合成器的干擾可以將這些反復區(qū)分開來 --- 這樣做的目的是為了有效地將聽眾帶入一種接近宗教本源的“出神”狀態(tài)。盡管在90年代中期的時候人們對出神舞曲的興趣大大減退，但是到90年代后期的時候，它再次受到了歡迎，甚至取代浩室舞曲（house）成為全球范圍內最熱門的舞曲音樂。受到酸性浩室舞曲和底特律高科技舞曲的啟發(fā)，伴隨著出神舞曲一起產生的還有比利時根特的廠牌 R&S Records和德國法蘭克福的廠牌 Harthouse/Eye Q Records. 其中 R&S 公司通過它早期發(fā)行的一些單曲定義了這種音樂，如 Joey Beltram 的 "Energy Flash"、 CJ Bolland 的 "The Ravesignal"、以及其它一些 Robert Leiner, Sun Electric, 和 Aphex Twin 的唱片。而由 Sven V鋞h 和 Heinz Roth & Matthias Hoffman 于1992年創(chuàng)立的 Harthouse 公司，則對出神舞曲這種音樂造成了最不可忽視的影響，它發(fā)行的最主要的唱片包括 Hardfloor 最簡練的史詩作品 "Hardtrance Acperience"、 V鋞h 自己的唱片 "LEsperanza"、以及 Arpeggiators, Spicelab, 和 Barbarella 的一些唱片。雖然這種音樂形式并沒有能夠在更廣闊的音樂世界里造成影響，但一些像 Bolland, Leiner這樣的藝人和其它許多音樂人一起，促成了這種音樂由開始到最終完善的轉變。雖然在它剛剛出現(xiàn)的那一段漫長的新生時期，出神舞曲曾經消失過，而被另一種破拍舞曲所取代（breakbeat dance，包括神游舞曲“trip-hop”與叢林爵士舞曲“jungle”），但這種風格對英國舞曲的影響最終在90年代末期的時候達到了頂峰。德國傳統(tǒng)的聲音也在此影響下有了一些改變，于是"progressive" trance （前衛(wèi)出神舞曲）一詞應運而生，它被用來描述從浩室音樂流暢的結尾以及從歐洲舞曲那里受到的影響。到了1998年，大部分國內最知名的DJ們 --- Paul Oakenfold, Pete Tong, Tony De Vit, Danny Rampling, Sasha, Judge Jules --- 都在英國的超級俱樂部里做出神舞曲。甚至連美國，在它最優(yōu)秀的DJ（包括 Christopher Lawrence 和 Kimball Collins）的倡導下，也最終被卷入到這種風格當中。

156.Trip-Hop（Trip-Hop）
Trip-Hop（神游舞曲）是英國評論界創(chuàng)造出來的一個新名詞，他們想要用這個詞來描述一種兼有落魄、爵士、瘋克、和受靈魂樂影響的實驗性破拍舞曲的特色的新型音樂風格。神游舞曲與迅速轉化成為實驗性地下音樂的英國后酸性浩室舞曲（post-acid house dance）一脈相承，但它最早出現(xiàn)是在1993年，同時出現(xiàn)的還有一些廠牌，如 MoWax, Ninja Tune, Cup of Tea, 和 Wall of Sound. 它有很多地方與美國的hip-hop很相似（雖然大部分時候剔除了人聲），它同樣喜歡使用取樣性的鼓點突變、同樣具有典型的實驗性、并喜歡把對氛圍音樂的高度傾向性和明顯的精神迷幻氣氛（所以才會“神游”）結合在一起，于是這個詞很快被用來形容所有來源于 Portishead and Tricky, DJ Shadow and U.N.K.L.E., Coldcut, Wagon Christ, 和 Depth Charge 的音樂 --- 而這讓這些音樂人非常的氣惱，因為他們發(fā)現(xiàn)人們只是把他們的音樂看作是固有的hip-hop的一種延續(xù)，而不是一個巧妙的創(chuàng)造性的分支。作為商業(yè)上重要的混合產物之一 --- 它成功地將跳舞時聽的音樂與更加主流的聽眾交織在了一起 --- 神游舞曲的一系列唱片理所當然的占據(jù)了英國獨立排行榜的榜首；而像 Shadow, Tricky, Morcheeba, the Sneaker Pimps, 和 Massive Attack這樣的藝人，則在為了獲取美國本土聽眾而發(fā)起的電子運動（"electronica"）第一次浪潮中成為了中堅力量。

157.Twee Pop（矯飾流行）
矯飾流行也許可被比作搖滾樂中的泡泡，其音樂的靈魂即是對朋克大行其道進行反抗，而更多的表現(xiàn)出自早期搖滾就不曾多見的簡約與純樸。矯飾流行源于1986年。那年英國周刊NME發(fā)行了名為C-86的錄音帶。其中包括了樂隊McCarthy, the Wedding Present, Primal Scream, the Pastels, 以及Bodines。這些樂隊都受到了Smith吉他流行音樂，Ramones純樸的三合聲，記憶Gril Group Era懷舊甜美的影響。英國媒體也稱其為“anorak Pop”和“Shambling”。C-86的影響只持續(xù)了很短時間，但對后來的樂隊影響甚大。大西洋兩岸的后來者汲取了其中簡約，純樸，從而演繹出絕妙的旋律。矯飾流行的標志：男女合聲，苦戀的歌詞，純樸的旋律，簡約的演奏。在英國，矯飾流行的靈魂就是現(xiàn)在成為傳奇的Sarah樂隊。其樂隊成員有Field Mice, Heavenly, Orchids。Sarah解散后，其創(chuàng)始人又創(chuàng)建了新的樂隊“Shinkansen”。在美國，矯飾流行根植于華盛頓地區(qū)的奧林匹亞則是由Beat Happenings, Calvin Johnson創(chuàng)建運作的K Records 的老家。

158.Vocal Jazz（人聲爵士）
盡管并不是全部采用人聲爵士，20世紀的人聲爵士演繹大師大都采用爵士語言進行演奏。從Russ Columbo，Doris Day到Johnny Mathis均將其天才與嗓音用于內容的表達。他們放棄了爵士器樂演奏家慣用的演繹標準的方式，而利用其即興演奏的天賦，音樂家的素養(yǎng)，甚至個性化，帶給了歌詞新的意義。早期的一對巨匠，Louis Armstrong，Bing Crosby，留下了人聲爵士的標準：隨意卻不失焦點。幾乎就是當時人聲爵士的專業(yè)標準。從大樂隊集中的地區(qū)涌現(xiàn)出了大批爵士演唱家，幾乎都是后來的大師級人物：Frank Sinatra， Billie Holiday， Ella Fitzgerald， Anita ODay, Sarah Vaughan，Peggy Lee, Joe Williams；他們均和搖擺舞樂隊共事過很長一段時間，多數(shù)在人聲爵士風格開始時因此取得了巨大成功。盡管區(qū)分人聲爵士演唱家與傳統(tǒng)流行樂歌手并不總是那么容易，很多爵士節(jié)目單還是以演奏內容來作目錄的。人聲爵士與爵士獨奏家們展開了競爭。他們那時通常拒絕與無名樂隊和具有流行音樂元素的樂隊合作。而選擇與真正天賦稟異的組織者（Nelson Riddle, Billy May）以及真正偉大的作家合作（Irving Berlin, Cole Porter, the Gershwins）。和40, 50年代的人聲爵士演唱家汲取了搖擺舞的風格一樣，后波普歌手們也用他們自己的經驗來演繹瘋狂的節(jié)拍，實驗爵士器樂演奏家的獨奏。Lambert, Hendricks, Ross陶醉在狂熱的合聲中，而Betty Carter, Mark Murphy, Abbey Lincoln 則發(fā)掘出更激進的即興演奏方式。盡管70到80年代，人聲爵士演奏家日趨減少，還是有很多藝術家堅持不懈，繼續(xù)這種風格。

159.World（世界音樂）
在西方，世界音樂即指非北美和英國的流行音樂以及民謠，也指不同本土音樂的復合。某些風格的音樂元素比如牙買加的瑞格或拉丁流行音樂，已經深入北美和英國的音樂，因此被視作是其自有的音樂之源了。除此之外的其他音樂，從中國民樂到非洲民謠，均被視作世界音樂。Worldbeat和世界音樂相比還是有一些不同，因其通常是西方音樂混合的產物。當然，由于Worldbeat從各種本土音樂中汲取了其風格，樂器，以及韻律，所以仍歸屬于世界音樂。

160.World Fusion（World Fusion）
World Fusion 指第三世界音樂的融合，也指融合了爵士樂的世界音樂,尤指融合了異教徒音樂，非西方音樂，以及新音樂三方面的元素。異教徒音樂混合了爵士樂的即興方式（拉丁爵士）；通常，其中獨奏的部分更多的使用即興爵士樂，而伴奏和合成部分則和異教徒音樂一樣。第二種元素也是以融合了特定的非西方音樂的爵士樂為主。比如Dizzy Gillespies 在“突尼西亞之夜”中的表演；70年代Keith Jarretees錄制的四重奏，其中合聲和中東樂器的使用；50年代到90年代Sun Ras也融合了非洲音樂的節(jié)奏；Yusef Lateefs錄制的一些唱片也兼容了傳統(tǒng)伊斯蘭樂器和配樂方式。第三種元素則是受到新音樂的影響，顯著的變化來自于爵士的即興革新創(chuàng)作：樂器，合聲，合成實踐，以及已有的異教徒傳統(tǒng)韻律。盡管這樣的融合具有獨創(chuàng)性，但仍能反映出非爵士，異教徒的傳統(tǒng)。比如Don Cherrys，Codona and Nu；John McLaughlins從70年代到90年代的一些音樂很大程度地吸取了印度的傳統(tǒng)音樂；而Don Ellis 70年代也借鑒了不少印度和保加利亞的音樂； Andy Narrell 在90年代則把特立尼達島的音樂與樂器和即興爵士，funk style 融合起來。World Fusion 并不是和現(xiàn)代爵士一起首次出現(xiàn)，其發(fā)展趨勢并沒有游離在美國爵士之外。舉例來說，波力尼西亞音樂在20世紀初融入了西方流行音樂，吸引了早起的爵士音樂家。加勒比海舞蹈的節(jié)奏在整個20世界成為了美國流行文化的一個重要組成部分，而爵士音樂家們越來越多的汲取流行音樂元素勢必使這種融合繼續(xù)下去。Django Reinhardt 30年代的音樂，融合了吉普賽音樂，法國即興爵士以及印象派室內樂。